自古人類都有對神對信仰，最早的藝術品也都出現在神的殿堂裏，表現神聖美好的境界。文藝復興時代的意大利也不例外，只是在人文主義的思潮下，藝術家以更人性化的角度來表現神和闡釋教義。也由於藝術的發展，除了教會大量以藝術來讚頌神、彰顯神的存在和偉大之外，許多有能力的商人或富裕家族也都希望擁有表現神的宗教藝術品；特別是表現聖潔、慈愛與天真的《聖母子》更是歷久不衰的熱門題材。
拉斐爾所畫的聖母子恬靜優美，充滿聖潔光輝，人見人愛，舉凡有能力的人都希望能夠擁有一張拉斐爾的聖母子，也因此他一生畫了很多聖母子像。人們喜歡他巧妙的構圖、優雅的氣質與自然的完美結合。
拉斐爾享有「聖母畫家」的美譽背後，其實有著辛苦而且實實在在的付出與努力。以下列舉拉斐爾九件不同時期的聖母子畫作，對比不同階段的特點，並從中了解他逐漸成熟的藝術風格。
早期聖母像：（1504年 之前）
在來到佛羅倫斯之前，拉斐爾也承接過聖母子的委託繪畫工作，這個時期的作品在題材上，拉斐爾用接近世俗化的描寫方式處理宗教題材，將日常生活中母親與幼兒溫馨互動的形象應用到聖母與聖嬰的主題，並加以理想化。 畫面構圖與造形上多是延續或參考其他前輩畫家的作法。繪畫技法上，則承襲老師佩魯吉諾 （Perugino） 和諧寧靜的藝術風格。例如：《聖母子與聖徒》（ Madonna with Child and Saints）， 《梭利聖母》（Solly Madonna c. 1502）和《康氏聖母》（The Conestabile Madonna）。
Oil on wood, 34 x 29 cm；Staatliche Museen, Berlin）（公有領域）
《聖母子與聖徒》也被稱為《馮．羅普的聖母》（ the Von der Ropp Madonna） 。構圖與畫家 il Francia 的作法十分接近， 聖母與聖子位居中間，平均兩側是聖徒杰羅姆和聖方濟 （Sts Jerome and Francis ）。 藝術風格則是承襲佩魯吉諾。
早期拉斐爾採用佩魯吉諾畫風創作的聖母子，屬於小規模虔誠的宗教題材 。大約自1502到1504年間， 他的這類作品呈現出一個有趣的共同特徵 ，即畫面中多以聖母作為的主體，她手裡拿著經書正在閱讀。 而懷中的聖嬰很有慧根似的也將頭轉向聖經方向，仿佛知道自己的來歷和使命。《梭利聖母》與《康式聖母》就是典型的例子。
《康氏聖母》（The Conestabile Madonna 17.5 x 18 cm in St. Petersburg ）是一件小尺寸的作品（也可能未完成），這畫可能是拉斐爾到佛羅倫斯之前 ，在翁布里亞（Umbria）的最後一件作品。它的名字來自佩魯賈Perugia家族的Conestabile，這幅畫也是描繪的聖母抱著聖子在讀著經書。在1881年，當原作被移製到畫布上時發現，聖母手中原先是拿著石榴（象徵耶穌未來的犧牲與受難），而不是書。
中期（佛羅倫斯時期的蛻變）：（1504-1508）
從1504到1508年，拉斐爾在佛羅倫斯期間畫了很多的聖母子像。儘管是相同的主題，拉斐爾從不自滿而畫地自限， 他對自己的挑戰與要求，每一張作品都不同。拉斐爾很懂得吸收他人的智慧與經驗，在繪畫技術上，他深入研究人文與繪畫精神，吸取前輩大師的技法，加上自己實實在在的經驗積累，逐步形成圓潤柔和的繪畫風格。
短短的四年，拉斐爾成功的掌握了佛羅倫斯地區畫家們成熟的素描和結構能力，也承傳了北歐油畫的細膩質感；他從達文西那裡學到了嚴謹的構圖與造形，以及節奏與韻律，也從向米開蘭基羅學習了人體結構與雄壯的氣勢。 拉斐爾不但臨摹 、速寫，從他的素描習作中可以看到揣摩與提煉的痕跡，最後應用成為自己的作品。拉斐爾的巨大付出沒有白費，蛻變後作品，除了依然保有原來的寧靜、協調及恬靜的秩序感之外，更加讓人感到莊嚴卻溫暖，寧靜卻不死板。例如《大公聖母》、《花園中的聖母》。
《大公聖母》可能是拉斐爾於1505年抵達佛羅倫之後不久繪製的。 由於受到達文西的影響，從畫中可以看出拉斐爾已知道使用暈染技法（sfumato）。這幅畫作本屬於托斯卡納大公斐迪南三世（Ferdinand III, Grand Duke of Tuscany），後人也就以《大公的聖母》稱呼這件作品 。
《花園中的聖母》這件作品是由錫耶納（Siena）貴族法布里奇奧（Fabrizio Sergardi）委託繪製。或許受到達文西的啟發，畫面中以金字塔結構描繪了聖母、聖子和年輕的施洗約翰。它是目前在巴黎盧浮宮博物館。在這張作品中，可以看到拉斐爾不僅學會應用達文西明暗對比的繪畫技法，也學會將聖母的姿態處理得更為輕鬆自然。
除了以上所說的兩件作品之外，還有《安西底家的聖母》（ Ansidei Madonna ），與《天彼家的聖母》（ Tempi Madonna. ）等作品。這些作品都有一個共通特點：保留了傳承自佩魯吉諾的優美形式與均衡的人物配置，轉變過後的人物動態，呈現更加自然真實。加上理性自然的空間處理，與主題的單純化，讓作品更加凝練。換句話說，嚴謹的構成，讓作品的畫面在原有溫暖細膩的豐美之中，更加穩健成熟。
後期（羅馬時期）：（1508年之後）
自從離開佛羅倫斯，到羅馬之後，拉斐爾開始應接不暇地接受教宗所指派的工作，多是大尺寸的壁畫與龐大的工程任務，單純描繪聖母子的簡單題材的作品相對變得很少。然而， 經過歷練後的拉斐爾 ， 技術更加洗煉，面對聖母與聖嬰的相同主題，相近的內涵，拉斐爾的藝術語彙與手法卻更加豐富自然，且具有文學與意境的表現力。表現在人物的姿態，人體的結構、構圖色彩的搭配，空間的營造，光線使用、氣氛的掌握等等，都儼然自成一格。 例如1510年的《阿爾巴聖母》（Alba Madonna） 與1513年《椅子上的聖母》（ The Madonna della seggiola） 的兩幅。
Oil transferred from wood to canvas
National Gallery of Art, Washington, D.C.）（公有領域）
《阿爾巴聖母子》中同樣描繪了聖母、聖嬰與施洗約翰，三人的互動的中心卻是約翰與聖子共同扶持的十字架，暗示兩人義無反顧地選擇了將來為人犧牲的命運；聖母的視線也隨著兩個孩子望向十字架。三個人的群組結構被安置在圓形的畫面設計中，聖母伸出的膀臂與斗篷平衡著整個畫面。風光明媚的背景呈現的則是典型的意大利鄉村景緻，整體色彩純淨而鮮麗，是拉斐爾的繪畫境界達到成熟圓滿的表徵。這件畫作是保羅．糾維歐（Paolo Giovio）為諾塞拉帕加尼（Nocera dei Pagani）區的Olivetani教會委託畫家製作的。由於這幅畫在18世紀屬於西班牙阿爾巴眾議院 ，因此被後人命名為《阿爾巴的聖母》。
《椅子上的聖母》（The Madonna della seggiola or Madonna della sedia）是拉斐爾在1513年至1514年間繪製的，目前收藏在佛羅倫薩的皮蒂宮（Palazzo Pitti ）。畫中描述甜美清純的聖母擁抱著可愛的聖子，小施洗約翰在一旁虔誠地仰望。
這件拉斐爾在羅馬創作的作品，不同於早期在佛羅倫斯的畫風，相同的聖母主題卻不再刻意追求嚴謹的幾何與直線造形。相反的，拉斐爾受到畫家提香（Titian）與德爾皮翁博（Sebastiano del Piombo）的影響，繪畫中開始運用溫暖的色彩。
《椅子上的聖母》（The Madonna della seggiola） 1513-1514（公有領域）
結語：
提到聖母，人們立刻聯想到的並非中世紀嚴肅刻板的臉孔，而是拉斐爾畫筆下的一系列的美麗形象，有的散發慈祥的母性光輝，有的具備典雅的高貴氣質，也有的如同少女般純真甜美可愛。拉斐爾對女性美的深刻研究，確實有他獨到之處。難怪歐洲人喜歡讚美女士「像拉斐爾的聖母般的美麗」。儘管時代不同，但是許多人都熟知並熱愛拉斐爾式聖母的純潔、溫柔，這也是最高雅的女性美典範。拉斐爾曾寫信給朋友提到：『為了描寫美人，務必看過很多美女。然而由於美女太少，我便採用浮現於心中的理想形象。』（註）由此可知，拉斐爾聖母像之美是理想中的完美形象。
拉斐爾的藝術建構在和諧莊重的古典美學基礎之上， 同時結合了人文主義的時代精神。他藉單純的主題表現人性中母子深厚的情感，通過親切美好的人物形象傳達聖母子的神聖內涵。 在貼近人們生活經驗的同時，拉斐爾的聖母子畫像不知不覺地延伸到人們內心，印象深刻。有人推崇拉斐爾是文藝復興繪畫的集大成者，不僅將文藝復興的油畫成就推到高峰，他的聖母子畫像作品也成為後世西方繪畫的經典。@*#
（註：1515 年拉斐爾寫信給人文主義者卡斯提尼奧尼的書信的一部分）
──轉自《大紀元》
(責任編輯：李梅)
