自古人類都有對神對信仰，最早的藝術品也都出現在神的殿堂裏，表現神聖美好的境界。文藝復興時代的意大利也不例外，只是在人文主義的思潮下，藝術家以更人性化的角度來表現神和闡釋教義。也由於藝術的發展，除了教會大量以藝術來讚頌神、彰顯神的存在和偉大之外，許多有能力的商人或富裕家族也都希望擁有表現神的宗教藝術品；特別是表現聖潔、慈愛與天真的《聖母子》更是歷久不衰的熱門題材。

拉斐爾所畫的聖母子恬靜優美，充滿聖潔光輝，人見人愛，舉凡有能力的人都希望能夠擁有一張拉斐爾的聖母子，也因此他一生畫了很多聖母子像。人們喜歡他巧妙的構圖、優雅的氣質與自然的完美結合。

拉斐爾享有「聖母畫家」的美譽背後，其實有著辛苦而且實實在在的付出與努力。以下列舉拉斐爾九件不同時期的聖母子畫作，對比不同階段的特點，並從中了解他逐漸成熟的藝術風格。

早期聖母像：（1504年 之前）

在來到佛羅倫斯之前，拉斐爾也承接過聖母子的委託繪畫工作，這個時期的作品在題材上，拉斐爾用接近世俗化的描寫方式處理宗教題材，將日常生活中母親與幼兒溫馨互動的形象應用到聖母與聖嬰的主題，並加以理想化。 畫面構圖與造形上多是延續或參考其他前輩畫家的作法。繪畫技法上，則承襲老師佩魯吉諾 （Perugino） 和諧寧靜的藝術風格。例如：《聖母子與聖徒》（ Madonna with Child and Saints）， 《梭利聖母》（Solly Madonna c. 1502）和《康氏聖母》（The Conestabile Madonna）。

《聖母子與聖徒》也被稱為《馮．羅普的聖母》（ the Von der Ropp Madonna） 。構圖與畫家 il Francia 的作法十分接近， 聖母與聖子位居中間，平均兩側是聖徒杰羅姆和聖方濟 （Sts Jerome and Francis ）。 藝術風格則是承襲佩魯吉諾。

早期拉斐爾採用佩魯吉諾畫風創作的聖母子，屬於小規模虔誠的宗教題材 。大約自1502到1504年間， 他的這類作品呈現出一個有趣的共同特徵 ，即畫面中多以聖母作為的主體，她手裡拿著經書正在閱讀。 而懷中的聖嬰很有慧根似的也將頭轉向聖經方向，仿佛知道自己的來歷和使命。《梭利聖母》與《康式聖母》就是典型的例子。

《康氏聖母》（The Conestabile Madonna 17.5 x 18 cm in St. Petersburg ）是一件小尺寸的作品（也可能未完成），這畫可能是拉斐爾到佛羅倫斯之前 ，在翁布里亞（Umbria）的最後一件作品。它的名字來自佩魯賈Perugia家族的Conestabile，這幅畫也是描繪的聖母抱著聖子在讀著經書。在1881年，當原作被移製到畫布上時發現，聖母手中原先是拿著石榴（象徵耶穌未來的犧牲與受難），而不是書。

中期（佛羅倫斯時期的蛻變）：（1504-1508）

從1504到1508年，拉斐爾在佛羅倫斯期間畫了很多的聖母子像。儘管是相同的主題，拉斐爾從不自滿而畫地自限， 他對自己的挑戰與要求，每一張作品都不同。拉斐爾很懂得吸收他人的智慧與經驗，在繪畫技術上，他深入研究人文與繪畫精神，吸取前輩大師的技法，加上自己實實在在的經驗積累，逐步形成圓潤柔和的繪畫風格。

短短的四年，拉斐爾成功的掌握了佛羅倫斯地區畫家們成熟的素描和結構能力，也承傳了北歐油畫的細膩質感；他從達文西那裡學到了嚴謹的構圖與造形，以及節奏與韻律，也從向米開蘭基羅學習了人體結構與雄壯的氣勢。 拉斐爾不但臨摹 、速寫，從他的素描習作中可以看到揣摩與提煉的痕跡，最後應用成為自己的作品。拉斐爾的巨大付出沒有白費，蛻變後作品，除了依然保有原來的寧靜、協調及恬靜的秩序感之外，更加讓人感到莊嚴卻溫暖，寧靜卻不死板。例如《大公聖母》、《花園中的聖母》。

《大公聖母》可能是拉斐爾於1505年抵達佛羅倫之後不久繪製的。 由於受到達文西的影響，從畫中可以看出拉斐爾已知道使用暈染技法（sfumato）。這幅畫作本屬於托斯卡納大公斐迪南三世（Ferdinand III, Grand Duke of Tuscany），後人也就以《大公的聖母》稱呼這件作品 。

《花園中的聖母》這件作品是由錫耶納（Siena）貴族法布里奇奧（Fabrizio Sergardi）委託繪製。或許受到達文西的啟發，畫面中以金字塔結構描繪了聖母、聖子和年輕的施洗約翰。它是目前在巴黎盧浮宮博物館。在這張作品中，可以看到拉斐爾不僅學會應用達文西明暗對比的繪畫技法，也學會將聖母的姿態處理得更為輕鬆自然。

除了以上所說的兩件作品之外，還有《安西底家的聖母》（ Ansidei Madonna ），與《天彼家的聖母》（ Tempi Madonna. ）等作品。這些作品都有一個共通特點：保留了傳承自佩魯吉諾的優美形式與均衡的人物配置，轉變過後的人物動態，呈現更加自然真實。加上理性自然的空間處理，與主題的單純化，讓作品更加凝練。換句話說，嚴謹的構成，讓作品的畫面在原有溫暖細膩的豐美之中，更加穩健成熟。

後期（羅馬時期）：（1508年之後）

自從離開佛羅倫斯，到羅馬之後，拉斐爾開始應接不暇地接受教宗所指派的工作，多是大尺寸的壁畫與龐大的工程任務，單純描繪聖母子的簡單題材的作品相對變得很少。然而， 經過歷練後的拉斐爾 ， 技術更加洗煉，面對聖母與聖嬰的相同主題，相近的內涵，拉斐爾的藝術語彙與手法卻更加豐富自然，且具有文學與意境的表現力。表現在人物的姿態，人體的結構、構圖色彩的搭配，空間的營造，光線使用、氣氛的掌握等等，都儼然自成一格。 例如1510年的《阿爾巴聖母》（Alba Madonna） 與1513年《椅子上的聖母》（ The Madonna della seggiola） 的兩幅。

《阿爾巴聖母子》中同樣描繪了聖母、聖嬰與施洗約翰，三人的互動的中心卻是約翰與聖子共同扶持的十字架，暗示兩人義無反顧地選擇了將來為人犧牲的命運；聖母的視線也隨著兩個孩子望向十字架。三個人的群組結構被安置在圓形的畫面設計中，聖母伸出的膀臂與斗篷平衡著整個畫面。風光明媚的背景呈現的則是典型的意大利鄉村景緻，整體色彩純淨而鮮麗，是拉斐爾的繪畫境界達到成熟圓滿的表徵。這件畫作是保羅．糾維歐（Paolo Giovio）為諾塞拉帕加尼（Nocera dei Pagani）區的Olivetani教會委託畫家製作的。由於這幅畫在18世紀屬於西班牙阿爾巴眾議院 ，因此被後人命名為《阿爾巴的聖母》。

《椅子上的聖母》（The Madonna della seggiola or Madonna della sedia）是拉斐爾在1513年至1514年間繪製的，目前收藏在佛羅倫薩的皮蒂宮（Palazzo Pitti ）。畫中描述甜美清純的聖母擁抱著可愛的聖子，小施洗約翰在一旁虔誠地仰望。

這件拉斐爾在羅馬創作的作品，不同於早期在佛羅倫斯的畫風，相同的聖母主題卻不再刻意追求嚴謹的幾何與直線造形。相反的，拉斐爾受到畫家提香（Titian）與德爾皮翁博（Sebastiano del Piombo）的影響，繪畫中開始運用溫暖的色彩。

結語：

提到聖母，人們立刻聯想到的並非中世紀嚴肅刻板的臉孔，而是拉斐爾畫筆下的一系列的美麗形象，有的散發慈祥的母性光輝，有的具備典雅的高貴氣質，也有的如同少女般純真甜美可愛。拉斐爾對女性美的深刻研究，確實有他獨到之處。難怪歐洲人喜歡讚美女士「像拉斐爾的聖母般的美麗」。儘管時代不同，但是許多人都熟知並熱愛拉斐爾式聖母的純潔、溫柔，這也是最高雅的女性美典範。拉斐爾曾寫信給朋友提到：『為了描寫美人，務必看過很多美女。然而由於美女太少，我便採用浮現於心中的理想形象。』（註）由此可知，拉斐爾聖母像之美是理想中的完美形象。

拉斐爾的藝術建構在和諧莊重的古典美學基礎之上， 同時結合了人文主義的時代精神。他藉單純的主題表現人性中母子深厚的情感，通過親切美好的人物形象傳達聖母子的神聖內涵。 在貼近人們生活經驗的同時，拉斐爾的聖母子畫像不知不覺地延伸到人們內心，印象深刻。有人推崇拉斐爾是文藝復興繪畫的集大成者，不僅將文藝復興的油畫成就推到高峰，他的聖母子畫像作品也成為後世西方繪畫的經典。@*#

（註：1515 年拉斐爾寫信給人文主義者卡斯提尼奧尼的書信的一部分）

──轉自《大紀元》

(責任編輯：李梅)